2015年起,为深入贯彻落实《中共中央关于繁荣发展社会主义文艺的意见》和《关于推动社会主义文艺事业深化改革加快发展的实施意见》精神,上海文学艺术团”,在市委宣传部、市文化广电局的统一部署下,上海18个市级国有艺术院团开始制定实施“一团一团”政策”工作计划。 这一以解决实际问题为导向、以遵循艺术规律为原则的政策举措,无疑为各类文艺院校探索特色发展道路开辟了可能性。 “一批一策”的背后,是社会效益与经济效益相协调的文艺发展理念。 这也是对国有文艺院团自上而下的统一保护性运营模式的反思和调整。 从美院“为人民创作文艺”的实践来看,“一团一策”的有效性和创造性并不在于重新划分“世界”、“民族”、“地方”的标签。 ”在文化宣传意义上,但正是因为话剧、戏曲、音乐、舞蹈等分类标签的弱化,剧团获得了更多的主观能动性,具体艺术形式的历史和独特特征就会浮出水面。具有更独特的外观。 差异化的艺术探索和利基市场也为健康成长提供了土壤。

近年来,随着“一团一策”工作计划的推进,上海几大剧团逐步建立了自己独特的创作发展道路。 “戏剧”作为民族文化的象征也呈现出更加丰富、更加立体的形式。 在上海越剧院的探索和实践中,越剧这一融合传统与现代之美的独特剧种,正在与现代城市文化形成新的共鸣。

越剧:中国现代戏曲奇迹

在上海的歌剧舞台上,相比于北京、昆明的厚重底蕴和上海、淮河的挥之不去的乡愁,越剧或许是最具现代都市文化基因的剧种。 从1920年代到1940年代,在短短的20到30年间,越剧迅速从浙江的乡村戏曲“德杜班”发展成为上海的流行文化,并建立了独特的“全女班”业态,这个过程与当时上海的近代城市进程融为一体。 正如姜晋所指出的,“女性、都市、现代这三个因素的交汇,催生了女子越剧这一中国现代戏剧的奇迹。” 在很大程度上,可以说女子越剧是都市女性观众和女演员共同塑造的一种艺术形式——流行文化的女性化是现代化进程中的普遍现象,时至今日,这仍然是越剧时代。 潜力就在那里。 20世纪上半叶的上海正处于中国现代化转型的最前沿:移民聚集带来的文化多样性、城市(职业)女性群体的诞生以及现代性对个体情感和欲望的推动。 这些都是越剧美学风格形成的基础,也构成了这一剧种独特的、固有的现代属性。

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宫廷版红楼梦

到了20世纪40年代,越剧已超过京剧,成为上海剧团数量最多、演出场地最多的剧种。 虽然在民国时期的上海文化市场中脱颖而出,但真正为越剧日后影响力奠定基础的,是越剧演员推动的现代化改革。 20世纪30年代末,越剧演员开始主动求变,呼吁学习话剧、电影等现代表演手段,尝试运用现代舞台设计。 著名越剧艺术家袁学芬将昆曲和话剧称为越剧的“两个奶妈”。 由此,越剧表演逐渐将古典歌剧的歌舞美学意境和西方戏剧的自然主义表演特点融为一体。 20世纪40年代,鼎盛时期的女子越剧界率先推动戏曲全面改革,在​​表演、剧本、舞台设计、服装、宣传、剧场制度等方面学习西方艺术。 它废除了剧本制度,建立了以编导为中心的剧场制度。 通过传统表演与现代戏剧形式的融合,一种更受城市观众青睐的“新越剧”形式逐渐建立起来。 这一改革使越剧由内而外地具备了现代戏剧艺术的特征。 它不仅赢得了大批城市观众的青睐,也让这种以平民妇女为主体的戏曲艺术闯入了民族复兴的现代叙事。 成为当时进步文化的先锋力量之一。

新中国成立后,越剧依靠20世纪40年代自我创新的优势,在政府的支持下迅速发展。 很快,它就从江浙地方戏曲发展成为具有全国影响的大戏。 1950年4月12日,上海第一个国家级剧团——华东越剧实验团成立。 1955年3月24日,上海越剧院正式成立。 上海越剧院拥有丰富的人才基础、艺术资源和观众市场。 20世纪50年代戏曲改革时期,剧院精心打磨了《梁山伯与祝英台》、《西厢记》、《祥林嫂》、《红楼梦》等一批代表剧目。 》、《白蛇传》、《春香传》、《盘福苏福》、《碧玉钗》、《情探》、《追鱼》等,都是越剧的代表作。流传至今,并受到普遍赞誉。

虽然戏曲都被称为“传统文化”,但不同戏曲的文化脉络和艺术品质其实是有很大差异的。 越剧在20世纪上海的现代化进程中形成了独特的艺术审美,但其内在的都市性和现代性往往被“戏”所象征的古典意义所掩盖。 越剧的流行得益于其通俗而优美的歌词、古典与现代的表演方式、浪漫的抒情传统以及女班子的柔和性格——这些品质在当今的流行文化中仍然可以探索。 和持续的市场。

浪漫的力量:从《红楼梦》到《重生·命运》

无论是戏剧改革时期还是改革开放后,上海越剧院始终自觉弘扬越剧审美、抒情的艺术特色,同时致力于继承老一辈越剧的传统。敢于创新的艺术家。 2015年上海实施“一批一策”工作方案以来,通过资金支持和增量回报,支持国有院校生存发展,为各院校人才培养、多元化创作和市场开拓奠定了良好基础。学院。 。 对于上海越剧院来说,资金的支持以及相对繁荣的越剧演出市场,给了剧团更大的施展才华的空间; 而“一团一策”所倡导的自主精准发展设计,给剧团带来了新时代再次凸显戏剧特色、深入探索创新的契机。

众所周知,越剧以浪漫着称,盛旦主演的《才子佳人》剧目占据了越剧经典剧目的绝大多数。 传统上,浪漫题材常常被视为没有吸引力的流行文化或闺房利益的代表。 这与人性的长期压抑、女性地位的低下有关。 直到今天,浪漫题材仍然被认为是女性化的、低劣的。 但由于女性城市文化消费主体地位的确立,言情题材在大众文化市场中占据了不可动摇的份额。

对言情题材的一个常见误解是,言情是孩子之间的爱情,与时代和大势无关。 然而,从19世纪末到20世纪上半叶,中国社会激烈现代化时代的重要主题之一也是当时的言情题材内容。 对“爱”的诠释不仅流行于20世纪初的小说、电影、话剧、戏曲等流行文化中,更是知识分子和进步青年热衷探讨和实践的现代生活。 除了个人实践之外,在漫长曲折的反帝反封建革命中,“爱”作为个人意志的象征和现代化的指标,一度大量吸纳了“爱”的叙事——作为抵抗力和个人主动性。 ,参与建设现代民族国家的想象基础。

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甄嬛传

越剧在这个时代成长,在这个时代流行。 但越剧言情的独特之处在于它蕴含着一种正在崛起的女性主体视角——这无疑源于当时上海特殊的城市化现状,也源于由女演员和女性观众组成的文化。 气氛。 以老一辈越剧演员为首的越剧创新,除了表演方式、剧制等方面的改革外,还大大消除了传统剧目中的色情内容,让越剧中对“才子佳人”的喜爱更加“深入人心”。清白的”。 “纯洁”——越剧的改革看似保守的“除欲”,但实际上它抵制的是几千年来积累的男性目光,从而为女性的成长开辟了一个小小的探索空间文化。 这一点在古今中外流行文化的实践中是罕见的。 可以说,改革后的越剧虽然仍以演古装剧见长,但其核心却非常现代——新越剧是都市女性文化的产物。

20世纪40年代的新越剧改革,为后来上海越剧院的成立奠定了基础。 其独特的文化品格在戏曲改革时期得到进一步提炼和打磨。 上海越剧院的四大经典剧目《梁山伯与祝英台》、《红楼梦》、《西厢记》、《祥林嫂》均在剧目修改中得到完善和确立。 无论是古典剧目还是现代题材,女主角都是反抗和行动的对象——用今天的话说,上海越剧院早已确立了创作“大女主角”题材的传统。 女性视角和浪漫主义特色,使越剧赢得了忠实的城市观众,建立了具有女性审美基因的坤生文化,并成为上海越剧院长久以来的创作表演传统。 改革开放后,受多元化流行文化的冲击,戏曲市场整体相对萎缩。 各地越剧界“男女合演”、“男”题材的创作与实践,成为创新探索的主要方向。 值得庆幸的是,上海越剧院在积极拓展话剧可能性的同时,并没有放弃对都市女性文化特征的坚持。 经典剧目的复兴和改编一直存在于尚悦的市场实践中,“借古喻今”诠释现代女性文化的创作传统也从未落下。

2018年是越剧《红楼梦》首演60周年。 上海越剧院携《红楼梦》和《红楼·印月剧场》两个版本巡演全国十个城市,再次掀起“红楼”热潮。 《红楼梦》是最具代表性和影响力的越剧剧目。 在同时期的同类型经典剧目中,它比《梁祝》更具文学性,比《西厢记》更通俗易懂。 1958年首演的《红楼梦》是由专业编导和优秀表演艺术家共同完成的一部现代戏剧作品。 新越剧改革后日益成熟的现代创作和表演机制,为《红楼梦》的形成创造了最有利的条件。 但越剧《红楼梦》真正成为雅俗共赏的艺术杰作,关键在于其成功的戏剧改编。 曹雪芹的《红楼梦》被誉为“封建社会的百科全书”,特色包罗万象,人物线索众多。 越剧《红楼梦》准确提取了宝玉和黛玉的爱情故事情节,将大观园的人文情感和风景变成了爱情服务的背景,充分发挥了越剧的浪漫和柔情,为“红色”遍布全国奠定了基础。 1962年,越剧电影《红楼梦》拍摄完成,上映后引起轰动。

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红楼·印月剧场

1978年,该片在中国重新上映,创造了观影奇迹。 多地影院昼夜放映。 上映五年,票房突破2亿元(单价1.2分),观影人次突破12亿。 一时间举国传唱“林妹妹从天而降”,促成了著名的《红楼梦》的广泛深入人心。 越剧《红楼梦》极大地影响了普通人对经典《红楼梦》的认识,也为后来的文艺创作定下了基调(如1987年版电视剧《红楼梦》 )。 时代变了,宝玉黛玉的爱情却常常被传唱——爱情不仅是反抗封建文化的象征,更是个体人性奋斗、破土动工的力量。 越剧的改编和浓缩,也让林黛玉为爱情奋斗的形象更加生动。 从花葬到稿子烧死,与贾宝玉的被动和无助相比,黛玉(女)的天空更窄,但她的叛逆姿态却并非如此。 更加主动、果断。 这无疑引起了广大越剧女性观众的深刻共鸣。

60年来,《红楼梦》早已成为上海越剧院的品牌符号和代际传承与创新的载体。 仅从20世纪80年代开始,上海越剧院就培养出了王秀月、钱慧丽、单阳平、郑国锋、王治平、方亚芬、华一清、赵志刚、陈英、李平、杨廷娜、辛雅琴、李旭丹等多个“保大”阵容。 《红楼梦》的解读也随着世代的变迁而不断更新、重现。 《经典》、《青春》、《宫》、《印越剧场》等不同的演出版本,体现了上越人对这部传世之作的不断思考。 和创造。 2016年,借助“一批一策”政策,为了探索新的舞台实践,吸引更多年轻观众,上海越剧院尝试“剧场+乐团”的演出形式,创作了《红楼·尹》曰《戏园》。

与上海舞台市场上琳琅满目的“跨界融合”相比,《红楼·印月剧场》的探索显得谨慎而稳健——在内容上,该剧浓缩了原版的主线故事,既保留了剧情的熟悉度,又让其更受欢迎。 更加紧凑、精致; 音乐方面,去掉了主副歌,增加了合唱,加强了乐队、合唱和表演之间的互动呈现。 这个版本的《红楼梦》并不是简单地再现流行音乐剧的形式。 反而是通过乐器、音乐的变化,让越剧的特色更加鲜明,也给了演员们新的打磨表演的空间——主演宝玉和戴玉的杨婷娜、李绪丹都表示,乐队形式的改变,让越剧的表演形式更加丰富。表演需要更加主动地与音乐融合,以往被传统乐器掩盖的演唱缺点也将凸显出来,对演唱技巧的要求也会更高。 《红楼·印月剧场》取代了传统的写实背景,乐池与舞台融为一体,整体场景虚实结合,美不胜收。 新版本的尝试,让《红楼梦》这部家喻户晓的经典剧目变得相对陌生。 艺术呈现更符合年轻文艺爱好者的审美情趣; 同时,这一尝试忠于越剧的艺术精髓,音乐设计和舞台设计体现了“抒情、审美”的加强。

除了经典剧目的继承和发展,在剧团的支持和鼓励下,上海越剧院的年轻一代也在积极探索新的创作和表演形式。 在这些创作实践中,既有上粤年轻人对老一辈创新精神的延续和传承,也有一种新的时代精神和女性文化在言情题材上的萌芽。 2017年10月,小剧场越剧《重生·命运》作为第十九届上海国际艺术节“青少年扶持工程”委约作品上演。 这是一部典型的作品。 《重生·缘》根据清代才女陈端生创作的长篇歌谣《重生·缘》改编。 越剧曾有一部以其女主角名字命名的经典剧目《孟丽君》。 与传统剧目《孟丽君》不同,小剧场越剧《重生·缘》的故事聚焦于孟丽君内心的挣扎——爱情与事业、温情与自由之间,孟丽君的挣扎呼应了现代都市女性的困境,爱情在新时代改变了意义和象征,女性意识在玫瑰色的温暖下再次破土而出。 《重生·缘》以大胆的艺术形式凸显主题:首创沉浸式越剧表演形式,加入评弹、小提琴、吉他等音乐形式体现人物特征,并通过戏外角色“缘” 《生》与孟丽君的精神对话揭示了人物的内心世界。 在这个尚不成熟却又充满新鲜活力的创作中,新一代上粤人再次展现了对时代和女性主题的敏感。 越剧的“浪漫”特征也呈现出多样化的可能性——浪漫作为载体,蕴藏着情感的表达。 歌唱、质疑、探索等表达空间广阔。

《重生:命运》的主创团队大部分是来自上海越剧院的青年演员。 从2016年底开始,尚悦向院内所有青年演员发出“艺术邀请”,鼓励自由组队、自由创作,并对相对成熟的创作设计提供强有力的资金和资源支持。 这一举措高度激发了上越青年人才的创作热情,也为上海越剧创新和青少年市场的开拓提供了更广阔的实践平台。

从女子越剧的形成到越剧经典的创作; 从《红楼梦》这样的奇迹,到《重生·缘》这样的新声,“情”是一代代上海越剧人创新传承的线索,也是越剧不可或缺的一部分。 缺少文化品格和艺术特色。

人才与市场:创新的动力与标准

2017年对于上海越剧界来说是喜忧参半的一年。 一年之内,著名越剧表演艺术家范瑞娟、徐玉兰、付全祥相继去世。 “十越剧姐妹”齐聚天堂,一个时代的辉煌正式落下帷幕。 师父已远去,余音未绝; 经典已铸,春泥护花。 就在文艺界和越剧观众悲痛之际,上海越剧院迎来了第一批越剧毕业生——仿佛象征着艺术生命力生生不息的循环,本科班的年轻越剧学生为越剧增添了新的活力。今年的阴霾。 生动而有力的明亮色彩。

对于上海越剧来说,人才始终是创新的核心力量。 20世纪40年代的“越剧十姐妹”是站在时代前沿的越剧创新者。 为了对抗旧的剧团制度,建设新的剧团和戏剧学校,他们于1947年联合演出了慈善演出《山河》,开创了越剧艺术的先河。 新时代。 进入21世纪,上海越剧院不断探索新时代人才培养的有效途径。

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重生

2008年,上海越剧院委托上海戏剧学院戏曲学院联合培养第一批中专本科学历的大学生越剧演员,尝试了新的传承和教育模式。 2017年,这批越剧班18名学生毕业,正式登上舞台。 学校和越剧团为他们策划了一场盛大的毕业巡演; 对于他们自创的、实验性极强的毕业作品《十二个字》(改编自电影《十二怒汉》)也给予了高度的支持和肯定。 越剧班是上海越剧的第十代。 他们最突出的特点是艺术素质高、文化视野宽、创作能力强。 在他们身上我们可以看到老一辈越剧艺术家的冒险精神,也可以发现年轻人的当代敏感度和饱满的好奇心。 在“国艺大讲堂”举办的“上海越剧院新生代青年晚会”上,“本科班”不仅展现了扎实的基本功和表演功底,还分享了自制的网络短视频,策划了“CP”团。出场方式迅速拉近了与年轻观众的距离。 有理由期待,在上海越剧院和文艺新政的支持下,新一代上越人所展现出的活力和力量将成为上海越剧发展的新动力。未来。

除了人才培养,重视市场也是上海越剧发展的优良传统。 越剧不具备曲高和寡的精英文化基因。 这是一种在公民中成长起来的流行文化。 它不仅能引起情感共鸣,以美感人,还能通过喊话赚到生意。 新越剧的历次改革,既是创新者的艺术追求,也是为了适应市场变化和观众的需求。 在电影、戏剧等西方现代艺术形式的冲击下,越剧积极寻求艺术融合与变革,也积极运用更现代化的传播方式来寻找受众。 有研究指出,民国时期,广播电台、唱片、纸质媒体甚至电影都是流行戏曲的流行传播手段,而越剧演员是最活跃的实践者。 随着文化市场日益多元化,拓展和培育细分市场是大众文化发展的主要路径。 上海越剧院延续了培育和维护市场的传统,充分展示了城市大众文化的另一面。

以2018年上海5大国有剧团部分演出计划为例,上海越剧院的运营演出计划和国内外巡演计划均远高于其他几家国有剧团。 一方面,这说明上海的越剧市场还是比较有活力的。 另一方面,也可以看出上海越剧院在市场拓展和维护方面表现出了很强的自觉性和主动性。 越剧的市场不仅在上海,而且在江浙一带。 其在中国文化圈的影响力应成为上海打造世界文化品牌的重要抓手。 上海越剧院原院长、著名歌剧编剧李力曾表示:“对于上海的地方歌剧来说,如果能够走向世界、走得更远,我认为越剧是首选。因为越剧不仅在上海流行,而且在全国各地,包括香港、台湾,在各地都很受欢迎,甚至在新加坡等东南亚国家,都有深厚的观众基础。”

近年来,上海越剧院在观众培育和营销方面采取了非常积极的措施。 一方面,剧院正在努力维护老观众并寻找新观众。 既通过经典剧目的复兴来维系老观众市场,又通过老剧目改编、新剧目创作来迎合年轻观众。 审美趣味。 另一方面,除了上述鼓励青年演员主动创作对接青年市场外,上海越剧院还通过开辟各种新兴渠道开展营销推广。 从2016年底开始,为提升传播效果,尚悦携手广东东方网络有限公司、百视通、喜马拉雅FM三家公司,正式签署“更多无限”战略合作协议,精心打造打造“互联网+时代”宣传矩阵。 无论是与网络电视CIBN共同打造网络直播平台“东方大剧院”,还是在喜马拉雅FM上建立越剧艺术家官方广播电台和个人广播电台,上海越剧院都成为首个“越剧界的“吃蟹武士”。

通过“东方大剧院”平台传播的《红楼·音月剧场》首播直播观众人数达92,465人,其中海外观众5,721人。 与艺术形式的创新一样,上海越剧院的网络传播实践也一直稳健扎实。 截至2017年10月底,上粤喜马拉雅官方广播电台已制作播出音频节目72期,节目时长超过900分钟,点击收听人数超过61170人次; 上海悦剧院全年通过广东东方网络平台进行7场直播,其中收费直播3场,在线点击量突破60万; 与优酷、乐视、PPTV等多家视频终端合作。 大数据显示,大屏观看、页面浏览、移动端累计在线观看人数已突破百万。 。 此外,上海越剧院还与“新影戏曲站”、“桃嘴上海”、“松果生活”等知名公众号建立合作,多渠道推送越剧信息,普及越剧知识。 有效传播的互联网宣传矩阵,结合新颖的线下传播活动,以及在学校、社区、艺术机构开展的公众教育活动,多层次的市场培育和营销方式,使越剧的城市受众逐步扩大和扩大。继续扩大。 变得扎实。

对于上海越剧院来说,这部曾经辉煌的歌剧如何在新时代重新上演,或许是始终悬在上海越剧院人心中的一个问题。 这既是前人的传统,也是他们肩上的沉重负担。 流行文化的活力和勇于探索固然是创新变革的动力,但市场永远是检验创新成功与否的关键。 Shangyue has the tradition and consciousness to strike a balance between artistic exploration and market cultivation – with the support of “one group, one policy”, we can especially look forward to the path practice of Shangyue people and the new atmosphere of Yue opera culture.

The author is an assistant researcher at Shanghai Art Institute

作者 admin